Pour cette œuvre d'art vivante et collaborative, l'artiste Renata Andrade, qui réalise notamment des sculptures en argile, propose au public de venir construire et déconstruire une œuvre avec elle. Chacun est libre de venir imprimer sa marque dans un bloc d'argile et d'y exprimer ce qu'il souhaite, en collaboration avec l'artiste. Une communication à travers la matière qui pousse aussi à s'interroger sur la place du langage corporel et de la communication non verbale dans nos sociétés.

« C'est une manière pour moi de partager mon expérience de sculptrice, le plaisir de modeler l'argile, poursuit Renata Andrade, et de recevoir en échange l'expérience, le contact, l'émotion du public. » Site de l'argent

« Exotisme et havre de paix seront les maîtres-mots de votre pièce. Décorez votre intérieur d’une ambiance asiatique grâce à cette tête de bouddha. Ambiance zen et relaxante au rendez-vous. Vous rêvez d’un coin détente ultra chic ? Laissez-vous séduire par cette tête de bouddha coloré. Adorable tête de bouddha, pour une décoration d’intérieur zen et asiatique. »

L’image du bouddha est initialement un symbole religieux issu des pays asiatiques. Durant les pillages coloniaux, les têtes de bouddhas étaient extraites /décapitées des corps et ramenées en Occident pour être exposées et montrées comme exemples exotiques de « l’art asiatique ». La tête de bouddha est aujourd’hui devenue un symbole exotique banal et particulièrement repris par la tendance du bien-être et du « zen ». L’image de la tête de bouddha est fréquemment commercialisée comme objets décoratifs de jardin ou d’intérieur dans laquelle est évacuée toute dimension sacrée. Au cours de cette performance je me réapproprie cet objet qui me questionne, à la familier et violent, car il est issu d'un héritage complexe. © Franck Alix

L’origami fait jeux de perspectives et de dimensions. Des fractales et une géométrie lumineuses sont ici liquéfiées par le rayon cathodique d’un téléviseur préparé.

Je voulais des visages, des acteurs, des personnages qui auraient des choses à dire mais qui ne parleraient pas. Alors que je poursuivais une idée, chaque jour je passais à côté de mes futurs protagonistes, sans les voir. Je les traversais, je les dévisageais sans même m'en rendre compte.

Soudain je réalisais qu'ils étaient là depuis longtemps, depuis toujours, tout autour de moi. Ces corps que j'avais cherché, avaient jusque-là patiemment servi de décor. C'était donc eux, les sujets muets qui taisaient activement tout ce qu'ils avaient à dire : les bâtiments. J'ai alors commencé à faire leurs portraits. Mes mains soutenaient mon troisième œil, celui avec lequel j'avais appris à les voir et, sans un mot, j'ai voulu traduire ce qui a bien pu avoir lieu entre eux et moi. Site de l'artiste

Dérivant entre données et images, Re-Sculpted in Time: Sanatorium Zonnestraal plane parmi des humeurs a priori incompatibles : les rêves cinématographiques de Tarkovsky et l'architecture utopique de Zonnestraal. Le Sanatorium* Zonnestraal éponyme construit en 1928 est cité comme emblématique pour l'architecture moderne et la pensée éclairée et rationnelle par ses transparence, lumière, air, tranquillité et espace.

Le contraste avec le malade nécessitant des soins pourrait difficilement être plus grand. Van Bakel ayant parcouru le sanatorium, l'a converti en un « nuage de points », devenant une maquette dans laquelle on a l'impression de se déplacer ou mieux l'impression de voler – comme dans un rêve. Il mêle ces images fantomatiques aux fragments d'images rêvées de bâtiments, paysages et d'une silhouette humaine sporadique échappée de l'oeuvre magistrale d'Andrei Tarkovsky : Stalker, Solaris, Nostalghia, The Miroir. De telles images par leur photogénie presque magique et inexplicable s'apparentent à une hallucination.

Grâce à la photogrammétrie, van Bakel transforme les scènes de Tarkovski en des nuages de points: il dit : « Dans ce film, je voulais que la clinique moderniste soit comme la coquille externe à partir de laquelle tu peux commencer à rêver et à plonger vers l'avant, vers le royaume psychique : jusqu'au subconscient, plus sombre, au monde magique de rêve. Pourquoi réinterpréter le travail de Tarkovski ? Parce qu'il possède ces qualités immatérielles uniques susceptibles d'être mises hors du temps. »

* Pour rappel : Un sanatorium est une infrastructure médicale, une clinique, pour les maladies à long terme - dans l'ère qui a précédé les antibiotiques. Cette thématique a été souvent reprise en littérature ; La Montagne magique de Thomas Mann, se déroule dans un tel lieu en métaphore de l'état malade de l'Europe aux prémices de la Première Guerre mondiale face aux nationalismes agressifs et au militarisme. Zonnestraal fut construit autour de 1928, la même année de la sortie du roman de Mann. À Zonnestraal les patients se reposaient, faisaient des bains de soleil -héliothérapie- et bien sûr, rêvaient.

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Drifting between data and images and hovering amidst seemingly incompatible moods : Tarkovsky’s cinematic dreams on the one hand and Zonnestraal’s utopian architecture on the other. Sanatorium Zonnestraal (1928) : Famous symbol of enlightened rational thinking par excellence: transparency, light, air, tranquillity and space. ‘One of modern architecture's most important buildings’ (Wikipedia). The contrast with the sick person in need of healing could hardly be greater.

Van Bakel has scanned the sanatorium building and converted it to 'point clouds’ that turn into models where you seem to move in between - or rather: seem to fly through - as in a dream. He combines these ghostly, whimsical images with the fragmented dream images of buildings, landscapes and a sporadic human figure derived from the masterful films of Andrei Tarkovsky : Stalker, Solaris, Nostalghia, The Mirror. Photogenic images with an almost magical inexplicability that resemble a hallucination. Using photogrammetry Van Bakel interpreted Tarkovsky’s film scenes to point clouds, enabling him to move freely through the otherworldly images as if flying through a surreal dream-scape. Artist statement: ‘In this film I wanted the modernist clinic to be like the outside shell from where you can start dreaming and dive inward, to the psychic realm: on to the subconscious, more dark, magical dream world. Why reinterpret Tarkovski’s work? Because it has those unique immaterial qualities that can put you outside of time.’

A sanatorium is a medical facility, a clinic, for long-term illness (in the pre-antibiotic era). It is a well-known topic from literature; Thomas Mann’s novel The Magic Mountain is set in a sanatorium - a metaphor for the sick state Europe was in around World War I with aggressive nationalism and militarism. Zonnestraal was built around 1928, the same year Mann’s novel was published. In Zonnestraal people would rest, sunbathe (heliotherapy) and of course, dream.

With images & samples from: Sanatorium Zonnestraal Hilversum, Tarkovsky's films: Ivan's Childhood, Solaris, Mirror, Stalker, Nostalghia and Terry Riley's 'In C' Site de l'artiste

Une promenade/rêverie au Musée des beaux-arts de Montréal devient prétexte à une réflexion sur une nouvelle ère qui n’a pas encore de nom. Une artiste est endormie sur un bureau, entourée de ses outils de travail. Des oiseaux, des croquis, des paysages et des œuvres de la collection du Musée migrent à travers des histoires, proches et lointaines, et tentent de la réconcilier avec ses sens.

Œuvre créée dans le cadre de la résidence Empreintes au Musée des beaux-arts de Montréal en 2020 ; une résidence organisée et soutenue par le Musée et par le Conseil des Arts de Montréal.

Par là... Mème est le montage de 10 des vidéos de la série Mème.

Dans l’ordre de montage. Mème n°3, n°11, n°5, n°7, n°2, n°6, n°9, n°10.

Par là... Mème* très largement et sensiblement recoupe des questions concernant les liens entre... humains..., leurs appartenances et territoires. De courts instants distinguent des personnes dans leur individualité, leur histoire et/ou leurs pratiques artistiques. Dans Mème, il y a des situations, des actions sans dialogue, avec seulement notre observation de ce qui s'y joue. Les personnes ont toutes un lien, par leur savoir, leur histoire vécue ou une filiation, et le mème compose une appartenance et une conscience de l’autre aussi fugitive soit-elle. Une partie de ce que nous acquérons dans nos apprentissages vient de l’observation des autres et de nos environnements, nous l’assimilons par mimétisme*, imitation, en développant et enrichissant ainsi nos capacités et nos savoirs, tant corporels qu’affectifs et cognitifs. Dans ces récits « fictionnels » chaque Mème, la question du portrait et de notre regard s'impose alors que les paysages, les territoires, les lieux peuvent être à l’origine du travail, ils en deviennent le « décor » et le questionnement. Ou, ce peut-être le scénario qui se construit à partir d’une action choisie, d’une personne, d’un objet ou d’une œuvre. Dans certaines vidéos sont évoquées, presque effleurées, des transpositions d’événements sociétaux actuels ou historiques, évènements qui interfèrent dans notre quotidien et habitent notre mémoire commune, ils se glissent ici en écho à nos vies.

David Bideau a composé la musique en libre expression et les ambiances et textures sonores ajoutent une strate, une autre densité au propos.

Mème* est le terme anglais employé par Richard Dawkins dans Le Gène égoïste, 1976 ; il est né de l'association entre gène et mimesis, imitation en grec.

*le mimétisme, l'imitation selon Pierre-Marie Baudonnière, Directeur de recherche au CNRS "est à la base du processus d'humanisation et de l'avènement de la culture".

Dans Mème n°2, 3, 5, 6, 7, 9, 10 et 11 sont impliqué.e.s des ami.e.s artistes, collègues, anciens étudiants de l’EESAB-site de Lorient. Ils cohabitent dans le champ avec d’autres personnes qui sont de mes intimes, de ma famille et des ami.e.s... Ils se retrouvent dans le cours monté alors qu'ils ont pu ne pas partager ces instants de filmage, ils ne se sont pour certains jamais croisés. Par là... Mème suspend, interroge le spectateur dans une attente, une perception contemplative. Site de l'artiste

Cette vidéo combine une série de souvenirs visuels d'une personne aveugle avec des plans rapprochés d'éléments minéraux transparents. L'image agit presque comme un décor, ouvert à différentes interprétations : vous voyez quelque chose se faisant passer pour quelque chose d'autre.

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This video combines a collection of a blind person's visual memories with close-ups of transparent minerals. The images work almost as a set design, open to different interpretations: you see something posing as something else. Site de l'artiste

Lors du premier confinement, la caméra a été ma bouée de secours contre l'incertitude et la peur du moment. Filmer était une façon de construire un monde autre, une observation alternative à la vision dominante. La lecture des réflexions sur l'image « opérationnelle » de Farocki m'a incité à rendre visible ce qui n'a d'utilité que pour la vérification de l'utilisateur d'une caméra-vidéo, c'est-à-dire les images pixelisées rouges générées lors de la mise au point. J'ai ainsi décidé de "forcer le système" et de révéler ce qui reste invisible. J'ai enregistré la visionneuse de la caméra avec mon iPhone pendant qu'elle était en action. L'image émergente fait un monde de plis et de fissures incitant à la pensée critique de la réalité et à formuler la question fondamentale et indispensable : qu'est-ce que je vois ?

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Durante il primo lockdown la videocamera ha rappresentato un’ancora di salvezza contro l’incertezza e la paura del momento. Filmare è stato un modo per ricostruire un mondo altro, un’osservazione alternativa rispetto alla visione dominante. La lettura delle riflessioni sull’immagine “operativa” di Farocki mi ha spinto a rendere visibile ciò che è funzionale solo all’osservazione di chi usa una videocamera, ovvero le immagini pixelate di rosso generate durante la messa a fuoco. Ho così deciso di “forzare il sistema” e rivelare ciò che il pubblico non può vedere. Ho registrato con il mio iPhone il visore della camera mentre era in azione. L’immagine che emerge dà conto di un mondo fatto di pieghe e crepe e stimola lo spettatore a un’osservazione critica verso la realtà e alla formulazione di una domanda basilare e indispensabile quale: che cosa sto vedendo? Site de l'artiste

Dormeurs (le battement de la forêt) est l'une des pièces du projet Sleepers, réalisé le long du littoral et des forêts intérieures du Finistère Breton. La luxuriance dense et sauvage des forêts est enveloppée d'une atmosphère qui peut nous rappeler les paysages des légendes arthuriennes. La côte fouettée par les vents changeants de l'océan, les montées rapides des marées et ses falaises abruptes, points de vue d'un horizon infini, nous transportent dans une émotion dramatique, référentiel du sublime. Actuellement le manque d'horizon paralyse, et c'est l'incertitude, l'insécurité et la peur qui guident un présent plein de brume. Ces forêts anciennes, rescapées de la déprédation d'un système exploitant des ressources, au même titre que le corps a été exploité et transformé en objet de consommation (consommateur - consommé). La forêt est un corps et le corps est une forêt. Aujourd'hui en état de latence, en état d'attente du futur. D'un avenir pour le moins, face à un monde plein d'interrogations.

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Durmientes (le battement de la forêt) es una de las piezas pertenecientes al proyecto Durmientes, realizado a lo largo de la costa y bosques interiores del Finistère breton. La frondosidad tupida y salvaje de los bosques, está envuelta en una atmósfera que puede recordarnos los paisajes de las leyendas arturicas. La costa. azotada por los vientos cambiantes del océano, las rápidas subidas de las mareas y sus abruptos acantilados, miradores de un horizonte infinito, nos transportan a una emoción dramática, referencial de lo sublime. Actualmente la falta de horizonte paraliza, y es la incertidumbre, la inseguridad y el miedo quien guia un presente lleno de niebla. Estos bosques milenarios, supervivientes a la depredación de un sistema explotador de recursos, de igual modo que el cuerpo ha sido explotado y convertido en objeto de consumo (consumidor – consumido). El bosque es un cuerpo y el cuerpo es un bosque. Hoy en estado de latencia, en estado de espera del avenir. De un avenir cuanto menos incierto, frente a un mundo lleno de interrogantes. Site de l'artiste

Eté 1985, devant une peinture de l'école hollandaise à Venise, avec des corps, certains dressés, un autre mort. Le sang s'échappe de la tête de celui qui est mort: "on dirait une grenade", je dis. Cela y ressemblait beaucoup.

2014, Paris, mes mains écorchent et démontent une grenade Au montage, je retire mes mains : je n’ai rien fait. Ne restent que les soubresauts heurtés du fruit qui se défait. La musique s’y juxtapose, dans un jeu de balancements et de déséquilibres. Le désordre de l’image échappe à la rigueur de Bach. Le fruit est chair et arme à la fois. Je m’en lave les mains. Site de l'artiste

Une lumière bleu froid vif clignote dans mon cerveau à demi numérisé, martelant la phrase « je ne dors pas » sur la contracture de mes traits jusqu’à ce que je glisse brièvement dans l’oubli et me réveille en effroi encore ; jusqu’à ce qu’enfin je m’endorme, ou plutôt me noie dans le lac gelé où sommeillent mes peurs. Les mots se diluent dans ce bain d’acide-images ; je ne sais plus dans quelle matrice je gestationne. Site de l'artiste

Les huit minutes de Regains, sont issues d'un travail de récolte et d'atelier débuté il y a trois ans. Constituées de centaines de photogrammes de 1920x1080 pixels réalisés à l'aide d'un scanner de bureau ce montage pulse et respire. Ces images sont entièrement celles de fragments de fleurs cueillies aux abords de l'atelier, ce montage constitue une sorte de tableau impressionniste en mouvement. Ce travail pictural se rapproche des principes de l'impression à plat analogique et s'inscrit dans la continuité d'un bricolage quotidien entièrement 'fait maison'. Son déroulé peut être interprété comme un chemin à rebours que le son accompagne : du scanner vers les champs ; à l'inverse presque du processus de fabrication de l'objet filmique.

Réalisation & Montage: Théo Revelen-Bernard, Enregistrements sonores : Harold Barme, Théo Revelen-Bernard, Matthieu Reynaud. Mixage : Matthieu Reynaud. Site de l'artiste

Substance éclot spontanément au carrefour des questionnements sur les images : les mutations qui affectent leur nature, leur action sur nous, leur pouvoir d’évocation. La matérialité des images devenant de plus en plus difficile à cerner, nous les appréhendons dans les termes d’une supposée immatérialité, hypothèse aujourd’hui insoutenable. Quel espoir d’exhaustivité lorsqu’on se réfère aux images seulement en tant qu’« information » ? Peut-on concevoir les dynamiques de l’affect en dehors de toute matérialité ?

Au centre de l’œuvre palpite une narration : celle-ci, fictionnelle, s’est construite progressivement en lien avec les images du film, au fur et à mesure de leur génération, de leur enchainement tâtonnant, de leurs dialogues et leurs silences.

Une voix se demande : ont-elles un corps [1], les images ? Qu’advient-il de ce corps, support d’image, au sein du numérique ? La voix est celle d’une femme âgée qui, sur la fin de sa vie, regrette la perte d’un tirage photographique, seule trace gardée d’un père disparu au combat. Des versions numériques de la même image ne lui suffisent pas, elles lui semblent incomplètes.

Il y a, on le sait, des frontières brumeuses entre les images, les histoires individuelles et les histoires collectives : où finissent les unes et où commencent les autres ? Il y a également une relation entre forme et matière : les phrases détournées d’Aristote, qui rythment la narration à l’instar du chœur classique, versent en ce sens. Cependant, forme et matière ne sont-elles pas des aspects d’une entité qu’on appelle image, que ne peut pas être appréhendée autrement que comme une unité indissociable ? Tel est le cas du tirage photographique qui manque à la voix de cette histoire. Car ce tirage était imprégné de « quelque chose » du père perdu, mais pas seulement : il était redevable du toucher, il avait vieilli avec celle qui le gardait précieusement, sans pourtant pouvoir éviter sa perte accidentelle.

Comment concevoir, au-delà du schizo théorique forme/matière, les images numériques ? Leur côté « informationnel » s'impose plus clair que jamais. Elles s’avèrent le véhicule efficace du message du pouvoir, qui stipule quoi voir, quoi penser, quoi acheter. Dans Qu’est-ce que l’acte de création ?, Deleuze postule sans détour : « informer c’est faire circuler un mot d’ordre ». Notre époque va encore plus loin car l’audiovisuel constitue le terrain sur lequel nous sommes dépossédés non seulement de nos traces visuelles, mais également, de nos empreintes comportementales. Dans le marché de l’information, l’individu est doublement perdant. L’acte de résistance et donc l’art, doit forcément trouver d’autres chemins.

Quelles péripéties nous réserve la quête impérieuse du corps de nos images, aujourd’hui tellement nécessaire ? Même la Ville lumière, prétendue immaculée, cache des centres de données d’envergure industrielle. Elle devient décor d’une flânerie aérienne, aussi virtuelle qu’impossible, qui rend sensible l’épaisseur de la question.

[1] Le corps d’une image est une notion empruntée à Jacques Perconte. Site de l'artiste

Le court-métrage est une adaptation du célèbre titre de Frank Sinatra, All or Nothing at All, 1939. À l'origine interprété d'un point de vue très masculin, Nina Vadshølt, une jeune chanteuse de Copenhague, a transformé la chanson en un chant angélique dans lequel de nombreuses voix convergent et se contestent entre elles. Un groupe d'avatars identiques, tous réalisés sur le modèle de la chanteuse Nina Vadshølt, se promènent dans les rues désolées d'une réplique numérique de l'ancienne ville européenne, Viborg, au Danemark. Cette ville banale faite de nostalgie, sinistrement réelle et irréelle, devient un labyrinthe de mondes imbriqués, dans lequel des rues commerçantes, des centres commerciaux abandonnés, des garages, des anciennes routes de croisade et des allées centenaires convergent comme un jeu tel les ruines du passé et les ruines à venir. All, or Nothing at All prend la suite du film adapté de la comédie musicale West Side Story, 1961, un récit moderne de Roméo et Juliette situé dans le New York des années 50. Dans notre version, la dualité entre le réel et le virtuel reflète l'attitude du tout-ou-rien de notre culture dictée par la technologie, dans laquelle tout semble possible quand c'est sur nos écrans, un monde dans lequel il n'y a pas de terrain d'entente, c'est Tout ou Rien.

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The short film is an adaptation of Frank Sinatra’s hitsong All or Nothing At All,1939. Originally performed from an utterly male perspective, Nina Vadshølt, a young singer from Copenhagen, transformed the song into an angelic chant in which many voices converge and dispute eachother. A group of identical avatars, all fashioned after singer Nina Vadshølt, are rambling the desolate streets in a digital replica of the ancient European town of Viborg, Denmark. This eerily real, unreal everytown of nostalgia becomes a labyrinth of overlapping worlds, in which shopping streets, abandoned malls, garages, old crusader paths and centuries-old alleys converge as game like ruins of the past and ruins to come. All, or Nothing at All takes its cue from the musical film West Side Story, 1961, a modern-day Romeo and Juliet narrative set in 1950’s New York. In our version the duality between the real and the virtual reflects the all-or-nothing attitude of our technology-dictated culture, in which everything seems feasible that appears on our screens, a world in which there is no middle ground, it’s Everything or Nothing. Site de l'artiste

UNINVITED joue avec les codes du film d'horreur mais dans un monde de réseaux de machines et avec des organismes humain-machine. Il naît de la collaboration toujours vive de Nye Thompson et d'UBERMORGEN, qui explore la nature de la perception et du réalisme de l'inconnu, la terreur de l'angoisse et de l'épuisement au sein du réseau émergent de la conscience.

Cette série en cours, 2018- crée un organisme en réseau auto-évolutif qui regarde et génère un scénario de "film d'horreur" récursif peuplé de Monstres mécatroniques - machine de chair numérique d'algorithmes intelligents. Décrite par les artistes comme « une créature radicalement nouvelle regardant le monde et rien n'a de sens, pendant qu'on entend l'univers à travers des millions de capteurs malmenés viralement », la production générée est un système nerveux hybride, un réseau en corps d'échanges somatiques-synaptiques. Émergeant comme un ensemble mêlant protocoles, fonctions et souvenirs qui interagissent, interviennent et se recombinent dans des récits en fins ouvertes et actions d'effet, cette forme de vie de Thompson et UBERMORGEN évolue alors qu'elle définit sa propre existence et son pouvoir tout en faisant l'expérience de la peur, de l'instabilité et de la vulnérabilité. Apparemment irrationnelle, la créature extraordinaire et inquiétante se déplace sur des rails en réponse à ses propres paysages sonores et ses images de surveillance codés, qui font un écho avec les ombres de ses propres expériences partagées.

Ces projections mouvantes, les sons alentour et les coquilles qui ressemblent à des insectes connotent des espèces d'ailleurs vivant parmi nous sur Terre. Chaque être invisible devient son propre être, crée son identité, communique avec les autres régions de son organisme. Celui qui regarde devient observé en même temps qu'il devient partie de cet organisme supposément alien. Vous Êtes Indésirable !

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UNINVITED is a horror film for machine networks and human-machine organisms. An ongoing collaboration between Nye Thompson and UBERMORGEN, exploring the nature of perception and realism of the unknown and the terror of angst and exhaustion within emergent network consciousness.

This series (2018–) is a self-evolving networked organism watching and generating a recursive ‘horror film’ scenario using mechatronic Monsters - digital flesh running machine learning algorithms. Described by the artists as “a radically new creature looking at the world and nothing makes sense, while hearing the universe through millions of hallucinogenic virally abused sensors,” the work is a hybrid nervous system, an embodied network of somatic-synaptic exchange. Emerging as a cast of protocols, functions and memories that interact, intervene, and recombine in open-ended narratives and effect actions, Thompson and UBERMORGEN’s life-form evolves and defines its own existence and agency while experiencing fear, instability and vulnerability. UNINVITED is presented both as a horror film and an installation that transforms the gallery into a zone of rapid cycling between comfort and discomfort, disrupting the traditional contract between the work and the visitor by insisting on the life-form’s autonomy to define its own path and way of communicating. Seemingly irrational, the uncanny and eerie creature moves on rails in response to its own encrypted soundscapes and surveillance images, echoing back with shadows of its own shared experiences.

These moving projections, surround sounds and insect-like shells remind us of alien species living on earth among us. Each invisible being becomes its own, creates identity, communicates with other areas of its organism. Viewers become observers while being parts of this allegedly alien organism. You Are Uninvited ! Site de l'artiste

Enhance s'inquiète de la technologie et du contrôle, décrivant une situation qui se replie sur elle-même. Un individu donne des ordres à une technologie futuriste qui suit précisément et exactement sa voix tout en menant à des résultats inattendus ; il agit, en fait, sur lui-même. Ainsi, l'individu est-il rattrapé par ses propres ordres. Une telle expérience de rattrapage par un mécanisme auquel vous avez vous-mêmes contribué est très contemporaine, et ce, particulièrement par la technologie et des plateformes Internet.

Enhance emploie un logiciel de vision par ordinateur qui vise à déduire la profondeur d'origine des éléments d'une image. Cette information, extraite des plans d'origine, est travaillée par un logiciel 3D pour une représentation dans un espace virtuel.

Par ailleurs, Enhance concerne le footage et la qualité d'appropriation des images. Le film retient une scène Blade Runner, lorsque le protagoniste analyse une photographie selon une technologie de grossissement voire un dépassement pour intégrer ce qui était hors cadre. Cette technologie, toujours impossible, est alors reprise par le logiciel de vision par ordinateur, même si nous nous approchons de la réalisation de ce fantasme, tout en nous en trouvant aussi loin qu'alors. Ce débat sur la technologie et ses potentialités s'avère quelque peu ridiculisé dans Enhance, mais cela n'empêche pas qu'elle y soit simultanément célébrée, particulièrement par des situations étranges, humoristiques mais aussi par la beauté de certains résultats.

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Enhance is a film about technology and agency. It depicts a situation that folds into itself. The character gives orders to a futuristic technology that follows precisely and exactly his voice but leads also to unexpected results ; acting, in fact, into himself. Therefore, the character is caught by his own orders. This experience of being caught up on a mechanism that you yourself contributed to is quite a contemporary experience, particularly in regard to technology and Internet platforms.

Technically, Enhance makes use of a computer vision tool that tries to infer the original depth of the elements on an image. This information, which is extracted from the original frames, is used in a 3D software to be visualized in a virtual space.

The third layer to be addressed of Enhance is its found footage/appropriation quality. The film makes use of a well-known Blade Runner scene, where the main character analyzes a photograph thanks to a technology that allows him to enhance it anyhow he wants and even to see things that were originally off-camera. This technology, as impossible then as impossible now, is echoed by the computer vision tool used. One could say that we are a bit closer now to this fantasy but, notwithstanding, still as far as we were then. The discourse on technology and its potentialities is a bit mocked in Enhance. But this does not exclude that technology is also celebrated, particularly because of the strange and even humorous situations it can lead to, and also in the beauty of some of its results. Site de l'artiste

SHAKYHEAD 2 participe à une série qui explore la solitude et la relation entre la chair et la machine.

L'écriture a débuté en une composition-musique en Max/MSP avant d'importer les fichiers audios dans le Blender afin de l'animation.

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This work is part of a series that explores loneliness, and a relationship between flesh and machine.

The scene is first written as music in Max/MSP, then the audio files are imported into Blender to drive the animation.

the gleaners, and: ritual for signaled bodies se produit aux frontières entre le corps et l'extérieur, oscillant et érodant ces frontières. Un rituel pour créer de nouveaux mondes et situations pour des corps fragmentés, les signaux traversent les articulations de corps animés et sans genre et parties du corps enchevêtrant les actions du signal corporel à la fois matériellement et conceptuellement, car ces mécanismes de contrôle interfèrent avec le contenu pré-animé. Des surfaces et des peaux en perpétuel changement servent de sites de projection et d'interférence, contribuant à « l’étrangeté » supplémentaire de l'état de ces corps et des fragments qui sont étirés et immergés dans et à l'extérieur de l'environnement qu'ils habitent, alors qu'ils rencontrent le désir, la détresse et les oscillations ritualisées. L'intégrité de l'espace dans son surnaturel et les relations spatiales qu'il établit avec le public dans la crise et la satisfaction, l'œuvre adopte le rôle des propres « glaneurs » de Millet, faisant-faire à la frontière entre la subsistance et le vide.

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the gleaners, and: ritual for signaled bodiesperforms at the edges between body and the external, oscillating and eroding those boundaries. A ritual for creating new worlds and situations for fragmented bodies, signals pass through the joints of animated and genderless bodies and body parts entangling the body-signal-actions both materially and conceptually as these control mechanisms interfere with pre-animated content. Perpetually shifting surfaces and skins serve as sites of projection and interference, contributing to the further "queering" of the state of these bodies and fragments that are stretched and submerged into and outside of the environment they inhabit, as they encounter desire, distress, and ritualized oscillations. Signals that generate sounds and compel movement, the making of the images, and the body, further challenges the stability and integrity of the space in its otherworldliness and the spatial relationships it establishes with the audience. At the edge between crisis and satisfaction, the work adopts the role of Millet's own "gleaners," making-do on the boundary between sustenance and the devoid. Site de l'artiste Site de l'artiste

Dustbin of a Middle Class Family annonce explicitement la découverte du contenu d'une POUBELLE d'une famille de classe moyenne en Inde. Une poubelle peut, en effet, s'avèrer très indicielle d'une personne ; beaucoup peut être appris en analysant ce qu'elle jette, le film s'y essaie. Il décrit une société grâce aux rebuts d'une poubelle d'une famille de classe moyenne. Il prouve comment toujours quelque chose se révèle dans un tas d'ordures. Il s'écrit en « sculpture cinétique » dans laquelle un stylo constamment martelé est finalement détruit par un marteau, une "sculpture cinétique" dans laquelle une main-jouet tente constamment d'atteindre un billet de dix roupies et où diverses autres images de paysages, de rues, de biens de consommation et d'autres images métaphoriques sont flashées en un glitch de 8 minutes.

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Dustbin of a Middle Class Family attempts to give the viewer an experience of going through the contains of a DUSTBIN, a dustbin can give a very interesting overview of a person, lot can be learned by studying what a person throws away, the film tries the same, it tries to portray a society trough the contains of a dustbin of a middle class family, just how we always find something to look at in a pile of trash, the videos of a “kinetic sculpture” in which a pen which is constantly hammered and eventually destroyed by a hammer, a kinetic sculpture where a toy hand constantly tries to reach a ten rupee note (money) and various other images of landscapes, streets, consumer goods and other metaphoric images are flashed between a 8 minute glitch.

Summer. 2014 est une nouvelle vidéo de l'association de production Sampled Pictures basée à Kyiv, inspirée par les événements dramatiques en Ukraine de l’Est. Néanmoins elle reste hors de l'écran, mettant ainsi en évidence les contrastes de guerre sans emphase.

Cette vidéo est basée sur l'expérience et les techniques de création d'autres œuvres, en particulier "single frame" de Pascal Aubier et la métaphore de Viktor Astafyev.

Voici comment Andrei Tarkovski décrit la technique image par image utilisée par Pascal Aubier:

« Nous pourrions aussi mentionner « dix minutes » de Pascal Aubier qui a été tourné dans un cadre unique. Tout d’abord, elle montre la vie de la nature - sublime et tranquille, indifférente à la vanité humaine et aux passions. Le mouvement magistral de la caméra accentue une minuscule forme couchée, à peine visible parmi l'herbe sur un flanc de colline. C’est alors que le drame commence. Le temps semble s’accélérer tout comme notre curiosité. Ensemble, avec la caméra nous nous faufilons jusqu'à l'homme endormi, alors nous nous approchons de lui, nous réalisons soudainement qu'il est mort. Grâce à chaque seconde suivante, nous en apprenons davantage : nous comprenons que l'homme a été tué. C’est un rebelle qui est mort de blessures au milieu de ce beau mais indifférent paysage. Notre mémoire nous renvoie aux événements qui ont secoué nos propres vies. Permettez-moi de vous rappeler qu'il n'y a pas de montage, pas de jeu d’acteur, et aucun décor, mais il y a un rythme de mouvement sans le cadre, qui construit sa propre dramaturgie complexe ».

Un autre exemple est la métaphore qui a été utilisé par Viktor Astafyev, l'écrivain anti-stalinien russe bien connu, et qui sonne dans le titre de son ouvrage The Distant Thunder of War (1967). En fait, c’est cette métaphore qui nous donne une idée des « sons de guerre» - si éloignés et si proche en même temps.

Ainsi, Summer. 2014 expose la guerre qui fait rage en Ukraine, à travers les sons de rafales de mitrailleuse d'incendie, de réservoirs rugissants et les APC, et des salves de plusieurs systèmes de lancement de missiles - les armes créées par l’HOMME pour tuer l’HOMME.

Les sons de la vraie guerre dans l'Est de l'Ukraine ont été enregistrés et affichés sur Internet par des auteurs anonymes – des soldats ukrainiens, des rebelles et des civils locaux.

Dans cette vidéo, les sons de coups de feu, des explosions et des cris contrastent avec le bruit pacifique des sauterelles. La nature semble vivre sa propre vie : le soleil brille et les insectes sont occupés dans l'herbe de fin d'été fanée, ondulant dans le vent ... C’est la paix partout. Le spectateur voit la nature que l’HOMME ne connaît pas et qui n’a pas de place pour l'HOMME quand la GUERRE résonne hors-écran.

Cette vidéo est une tentative de faire ressortir le contraste entre l'environnement idyllique et presque pittoresque et l'action entendu dans la bande son. Comme le mentionne Andreï Tarkovski, il n'y a pas d’acteurs ou décors. Il n’y a même pas de musique ou de mouvement de caméra. C’est ainsi que la tension dramatique est créée par le BRUIT.

Le spectateur peut ENTENDRE la GUERRE et imaginer ce qui se passe hors de l'écran, hors de vue. Site de l'artiste